Any Given Dominguez = Un Dominguez cualquiera

Beast boy -o adios a Seth-

2006-02-19T21:36:00.000-03:00

Hace unos días atrás mi virtual pal Amadeo me dijo, en explícito verde sobre blanco: ¡Se murió Seth Fisher! Esas noticias son las que le hacen sentir a uno que el mundo de alguna manera se rayó, que de la misma forma en que cuando uno escucha un disco, de esos que se dejaría en loop en el hemisferio izquierdo del cerebro, el mundo de repente hace ffffffffffzzffffff y ¡zas! se lo descubre un poco rayado y otro poco irreparable. O peor, solo puede sentirlo de esa forma. Que Fisher sea fisicamente hoy solo un cúmulo de páginas con sus dibujos nos hace, a los simplemente Domínguez y aquellos que desearían la obra del dibujante Seth no fuera parte de un ghetto sino de la educación primaria, enfrentar la dura realidad de que a pesar de que chapoteemos bestialmente nuestros zapatos rojos (tengan ellos forma de música, historietas, películas u otras almas de destrucción misiva) ya no habrá un lugar como casa.

Fisher era un dibujante. En realidad, por ser específicos, Fisher representaba (como una bola de cañon al corazón) la punta más extrema de esa sección atómica de dibujantes que aún logran emociones nuevas en el mainstream de los superhéroes (tierra de DC, Marvel e Image, algún que otro caballo oscuro). O sea, no era solo alguien sumamente libre en lo que a grafito respecta, era, tanto por mérito suyo como de Los Otros (los Turners, los Rosssz, los Ramos, los jimLee), todo lo que ya no es un dibujante en estos años. Al menos no uno que trabaja en la primera de los Hombres en Calzas.

Hijos de los Rayos del dibujante Jack Kirby, la bomba Gamma que era el editor de DC Julius Schwartz y masticados por la araña Stan Lee, la generación atómica (o aaatómica, si se quiere) son un grupo de dibujantes y algún que otro guionista expuestos a las radiaciones pop que generaron los productos a los que estaban asociados la triada fantástica de leyendas del comic arriba expuesta. La generación atómica absorvio esa radiación de forma tal que solo les quedaba la opción de pasearse por la maqueta en la que se convirtió a la historieta actual como uno de esos gigantes de juguetería que pululan en ficciones cinematográficas (cerca del club nocturno en Osaka donde Fisher murió al caer de un séptimo piso): de forma godzillesca, disfrazados chillonamente con sus pasados pero abriendo la mano y despidiendo poderes sónicos, acuáticos, centellas imposibles de imaginar que emita un simple mortal como nos. Ahí esta, para su saciar el tazmaniesco hambre de destrucción de los Atómicos, como ya dijimos, la metrópoli/maqueta que es el comic actual: un mundo chato, donde solo importan los sucesos y donde ya no hay una mística interna de cada serie sino que todo debe humedecerse frente a la leche del mega evento: todos somos cereales listo de ser permeables. Pero ahí están los hijos/dibujantes de la revolución pop: Mike Allred, Kyle Baker, Keith Giffen, Kevin O’Neill, Cameron Steward, Ryan Sook, Steve Rude, Darwin Cooke, Paul Pope, Philip Bond, Scott Morse y alguno más que debo olvidarme. Todos ellos lograron una especie de comunidad Gremlin en los comics, se convirtieron en el grito generacional de una joydivision y sin jamás, gracias a su originalidad, compartir otro rasgo que la contemporaneidad de sus obras. Se pasean por los superheroes como quien pasea por una feria de juguetes: fascinadas pero sin respeto alguno más que el generado por las ganas de divertirse y de contar, como niños con action figures, una historia. Una idea, o un sentir, que logra en su elasticidad hacer del comic algo parecido a una caminata lunar, ese juegos inflable al que ya no nos dejan entrar: un castillo volador que se sostiene en base a los aires del pasado, pero donde cada uno puede divertirse a su voluntad y limites físicos. Pero el aire del pasado cumple una función similar al helio, extralimita su propio limite y se convierte en algo que suena/ se ve distinto a casi todo, un pasado que más que reposar en bronce es consumido en forma de ácido.

Fisher era el Godzilla de la trouppe y lo demostró con solo un puñado de excursiones, con toda la extática infantil del término, como son su Flash: Time Flies, su reciente saga en Batman o su primer trabajo profesional Happydale: Devils in the desert (una especie de Freaks de Tod Browing mezclado y dibujado por las canciones del late Daniel Johnston). Las líneas en los dibujos de Fisher eran infinitas, pero contrario de otras líneas más derechas, las de Godzilla eran bestiales no por gruesas sino por delgadas, por lograr sostener y tensar una cadena de dibujos salidos de ese lugar que todos buscamos encontrar (la diversión con motor a imaginación) donde se conectan, por citar una viñeta de su creación, un edificio, una oruga humana, un coliseo en un globo de nieve, una cara precolombina, una robot bajo el agua, una lombriz gigante, otro robot pero de Oz, un mini conejo y etc. Lo que Seth hacía era jugar con dibujar lo primero que pensara (o al menos esa sensación transmitían sus obras) como si fuera una especie de Robert Crumb ultrapop, un Jim Woodring creado por Jack Kirby y con la furia de Geoff Darrow, que lanzaba todo lo que se le cruzaba por la cabeza y que encontraba en sus dedos, en su pecho y en su calvicie la droga perfecta para satisfacer a su imaginación.

En su GreenLantern: WillWorld Seth se recibe de gran bestia pop: su capacidad de transmitir la temporalidad de un lugar sin reglas físicas o lógicas (la tierra de Odd) lo muestra como no solo una M-16 de poptales sino como un cuentacuentos, un narrador, que sabía, de la misma forma que lo hacían su dibujos, conectar sus virtudes con sus demencias para construir una página de comic. Nada más y nada menos. Y, finalmente, en su ultimo trabajo (la palabra ultimo transmite una mortalidad que es imposible encontrar en una pagina de Fisher, es demasiado terráquea para sus relieves) Fisher se dibuja a si mismo: un monstruo amable, salido de una cajita de Lego, capaz de no dejar piedra sobre piedra a nivel convenciones, alguien que pica en los ojos y que a la vez nos da ganas de rascarnos esos lugares donde la historieta ya no muerde. Se van a extrañar los dientes de Fisher pero al menos nos quedan sus marcas, sus babas y sus ruinas. Y la godzillesca idea de que en lugar de hablar hacía un ruido que parecía un chorro de soda pasado por un sintetizador.

fin de fiesta

2005-12-27T23:45:00.000-03:00

Siiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiip, tercer y ultimo disco del año. ¿Extrañan tocarme? Busquenme en su cdteria compañera -estilo k que le dicen-. El exito del año se despide de ustedes, al menos en lo musical. Gracias a todos lo que nos apoyaron y a la vieja de alguien que seguro me esta leyendo. Dominguez has left the 2005.

Se va la segunda...

2005-12-14T10:21:00.000-03:00

Después de haber agotado las 150.00o copias de su primer simple, llega el esperado segundo volumen. En perfecta sincronía con las fiestas, estará en locales varios a las 24 horas del día 24. Pero pueden reservarlo con el baucher que viene en el Suplemento Domínguez del Clarín de este domingo. A gozar, o mortales.

Se acabo la joda

2005-11-24T13:28:00.000-03:00

Hombres, mujeres y escuchas del mundo..¡Uníos! Es hora de disfrutar del primer simple de Simplemente Domínguez. Por que no todo es historieta en este mundo…

Pedídselo a su kiosco amigo (by the way, trabaje en un kiosco de revistas y nos son amigos de nadie).

Los tiempos estan cambiando (otra vez)

2005-11-02T09:27:00.000-03:00

Extracto de www.comicbookresources.com :

DAN DIDIO NAMED SENIOR VICE PRESIDENT - EXECUTIVE EDITOR, DC UNIVERSE

DiDio, who joined DC Comics in January 2002 as Vice President - Editorial, oversees the editorial department for the DC Universe imprint. As the DC Universe Executive Editor, DiDio charts the ongoing adventures of Superman, Batman, Wonder Woman, and scores of heroes and villains; he also works to develop new titles with the industry's premier writers and artists

´´´

"Dan has done an impressive job of bringing his personal energy and enthusiasm to the DC Universe, which has never been a more exciting destination for our readers," said Levitz. "Dan is leading a stellar line-up of creative talent in guiding the greatest collection of characters in popular culture, and I can't wait to see what they come up with next."

...

At DC Comics, DiDio has spearheaded such bestselling projects as ALL STAR BATMAN AND ROBIN, THE BOY WONDER, IDENTITY CRISIS, GREEN LANTERN, TEEN TITANS and OUTSIDERS.

Muchos hablan de justicia (quizás se escriba así JUSTICIA, como Alex Ross cree que se pinta) y un par de Simplementes Dominuezs creemos que es una exageración, salvo que se considere las ganancias generadas por Didio (una idea que esta bastante bien para la gente de DC. No esta mal darle garantías a quien llena sus arcas). ¿Alguien me explica el logro de Didio más allá de lo comercial? ¿Alguien realmente cree que lo publicado hasta ahora de Identity Crisis justifica la parafernalia, la solemnidad y la arbitrariedad –la que impide que los comics sean arbitrarios en el sentido más libre y que se sometan a ser pasquines donde pasan cosas y no historietas (In this issue: Superman le moja la oreja a Zatanna)? ¿O piensa que Identity Crisis –para mi, una serie con moralina y mal desarrollada- es realmente un hito para el mundo de la historieta? ¿O que, más allá de que las disfruto, que OUTSIDERS o TEEN TITANS permitan que un fanático pueda ponerse la camiseta de un editor? ¿Alguien cree que la nueva GREEN LANTERN es un gran comic cuando, claramente, recién en su #4 logro establecer un rigor ausente hasta el momento? Sinceramente me cuesta entender DC hoy día. Proyectos como SEVEN SOLDIERS abocan una esperanza y de repente sacan algo así lo que en mi barrio conocen como Grandes éxitos bajo el nombre de PRELUDE TO INFINITE CRISIS (cúmulo de páginas de diferentes tebeos donde se menciona algo de un mentada Crisis, más obsceno no se puede ser).

Digo, ¿Recuerdan cuando Joe Quesada fue nombrado Editor en Jefe de Marvel? Puede no guste nada de ese período pero, creo, no puede dejar de reconocerse los cojones de Mr. Quesada. Milligan y Allred a X-Force, Grant Morrison y Quitely a New X-men (dos series fuera de cualquier canon, incluso de los lugares comunes de sus creadores), Cassaday a Captain America. Había una renovación, unas ganas de sacudir la estantería, un olor a “toro suelto en el bazar”. Ahora, con Didio, ese horizonte de pensar la historieta como lenguaje no existe, solo existe la mentalidad folletín (siempre presente en el comic pero hoy más que nunca), lo importante es ese saber actual, ese tener idea de lo que pasa –noticias vrs argumentos-. Incluso DC posee en su site un pequeño espacio donde uno puede notificarse sobre lo sucedido la semana pasada respecto de la Crisis.

La noticia (si Batman le escondió las llaves del auto a Hawkman en venganza por haber sido lobotomizado durante 10 minutos o como reacciona Wonder Woman cuando sabe que Green Arrow se hizo una papiroca pensado en Sue Dibny) tapa, a modo ola, a la historieta. Veamos. El ultimo arco de la JLA cuenta como toda la mierda que los héroes vienen tragando unos de otros (Batman vrs Green Arrow, Hawkman y más integrante s de la Liga época Satélite) deciden cantarse las cuarenta mientras reaparece un villano clásico de la Liga. Podría (¿Por qué no? Toda saga puede ser excelente hasta que la leemos) haber sido una atractiva saga: el fin de la JLA. ¿Qué paso? La dibujo Chris Batista quien claramente no era la mejor opción para lo importante del evento y el guión de Geoff Johns no esta in crescendo, las cosas aparecen porque tiene que aparecer.

Nunca antes las historietas se parecieron tanto a una sitcom. ¿Por qué pasa esto? Por que el fin de la JLA como la conocemos es un evento que solo sale en las páginas de la JLA y que en realidad pertenece a la historia de Identity Crisis no a la historia de la JLA. ¿No creen que cualquier tipo que supiera más de la dinámica de la Liga –persona que no es, creo, Geoff Johns- hubiera echo de este evento algo más notorio –hasta en términos comerciales-? Grant Morrison, Keith Giffen, Mark Waid, Joe Kelly, son opciones que se me ocurren. Esto demuestra, en parte, como todo en DC es pensado a modo de sucursal de la Crisis pero de la peor manera posible: nadie se ríe un poco ni siquiera de que cada tres viñetas en cualquier serie aparezca un OMAC –robots que adquirieron protagonismo en una de las cuatro sagas de seis partes que sirvieron de preámbulo para Infinite Crisis-. Son pocos son los comics que deciden alejarse de esta idea de unidad básica, en sentido de sede, y cuya lógica interna, digamos personalidad, les permite la absorban como si nada. Son series cuya fuerza esta en el movimiento, en una narración que esta construida pensando en un total de 22 páginas y no en unas 4 o 5 donde pasa lo que tiene que pasar. Hawkman es un gran ejemplo y uno cien veces mejor es la JSA, escrita por el mismo Johns de antes: revistas donde nada fue sacrificado por seguir la Crisis. ¿Cómo sucedió esto? Por que son series trabajadas con una coherencia que excede cualquier evento macro gracias a que todo lo que en ellas sucede es macro o, al revés, completamente micro. Para la JSA, al menos al día de hoy, Infinite Crisis es una saga más, otro fin del mundo tal como lo conocemos. En Hawkman se trabaja a un nivel micro donde la concentración en un espcio y lugar concretos solo permiten el desarrollo de una aventura y nada más. Todo esta tan concentrado en un momento dado del personaje alado que no necesita la cosa operística de Identity Crisis. Otro gran ejemplo puede ser el Batman de Alan Grant y Norm Breyfogle, donde se solía dividir en tres números una aventura que solo sucedía, quizás, en una noche.

Yo me tiento de vez en cuando con estos eventos y termino supra-defraudado. Ahora, de la decepción personal a ser el contador geiger del mundo hay un universo -finito- de distancia que no quiero recorrer. Aún así...¿Por qué todo tiene que parecerse a…? ¿Que sucede con los comics que necesitan perder por completo el humor, la coherencia interna y la diversidad? Pueden decirme que todo es en pos de una saga larger than life. Que son pequeños sacrificios. O que esta "copado". Pero trato de combatir esas ideas, que quizás existan o quizás no, con el recuerdo de la “cobertura” de otra saga grandotota como Milleniun por parte de la Liga de Matteis, Giffen y Maguire. En la serie, dueña de un tono muy asterixiano -mundos donde las aventuras y humor van, si o si, juntos y no mezclados-, no se cedía ni una onza de la personalidad que la caracterizó siempre en pos del "evento del año". La historieta misma, su historia, sus códigos y su método no permitían ese trasvestimiento. Quizás lo único que hasta ahora demostraron Didio y su Crisis infinita o su Batman estrellado o esa saga de jodunnit por la que cree(n) merece un Pulitzer, es la medianía, traducida en permeabilidad, latente en la gran mayoría de las series publicadas en el universo –por no decir conventillo- que es la DC hoy día.

El fin de algo

2005-10-27T19:32:00.000-03:00

Consideren la génesis de este post dos cosas: mi reciente lectura (processing 35 % de 31 canciones) y un post menos reciente del digamos essssssssselente blog www.popisthenewpunk.blogspot.com. La idea es aglomerar los 31 números –como quien diría: issues- que más me hayan rockeado el mundo este privado y no tanto mío. Que medio era la idea de 31 canciones pero después cambio. No tengo las ideas de Hornby (por otro lado no creo me interese tenerlas y al menos tengo pelo) pero quizás logremos algo coherente. Estáis, comiqueros del mundo, invitados a coparos con mi cruzada. Las reglas: que sean números sueltos o sea más allá de que formen parte de una saga se puede hablar de solo un comic (por ej.-gracias a Dios/Kirby no es mi caso-: Identity Crisis # 7); tratamos sean del mainstream o anexos (igual este ítem responde a mi desconocimiento de casi todo el comic europeo, feel free to break this law) y no mucho más. Acá va la primera entrega:

The Killing Joke de Alan Moore y Briand Bolland
Nada. Pero de nada. Absolutamente nada era lo que logre entender cuando termine de leer por primera vez este comic. Estábamos en 1991 y desconocía que las historietas eran producidas por personas. Yo pensaba su génesis era similar a , no se, la del pan o las figuritas o los guardapolvos. Que uno se lo pedía al sujeto de turno en el parque Rivadavia, haciendo uso de Padrescard, y solo ahí iniciaba la vida del tebeo. Junto con la mía. No sabía nada de escritores, de dibujantes, de especiales, de series y decidía no saber nada de la muerte como amenaza concreta , de que uno crecía, de que uno le podía tener miedo a mucha más cosas que la oscuridad . Nada. Y de repente ¡wham, boom! me enamore. O ¡whan, boom! se acabo mi ingenuidad. Ya había sentido una comezón, un tiempito antes con una Batman. Pero La broma asesina era un temblor que dejaba en claro que algo había dejado de sentirse como siempre y que debaja en ruinas al palacio del pequeño Domínguez. Y me encantaba.

No me refiero a darse cuenta de que se desea estudiar computación en lugar de jijutsu sino a un estado de disolución, que solo se puede percibir en el tiempo, a una energía que sentí de forma casi radiactiva similar a cuando uno logra por primera vez escuchar su voz dentro de la cabeza propia. La sensación era de algo que empezaba a propagarse por el cuerpo pero uno no conseguía, ni sabía que se podía, controlar (musicalmente se me ocurre pensar en el Electric Warrior de T-Rex, esas cosas que pasan por nuestros órganos, los que se muestran en los libros de biología y en los que hacen que las cosas se nos traduzcan en pasiones, y no podamos siquiera detectarlos hasta un tiempo después). Con La broma asesina sentí ese algo que se produce en cada uno de nos, simplementes Domínguezs, cuando un objeto pasa a formar parte de nuestra cadena genética. Algo me hablaba y yo no quería dejar de escucharlo, ya que había adquirido a medida que pasaba las páginas de esta historia que recuenta el supuesto origen del Joker (Guasón para los hablahispanos) mi pasión por las viñetas. Y mi incertidumbre para con todo lo otro. No podía comprender el disparo del Joker a Barbara Gordon, ni la ausencia de onomatopeyas en esa secuencia, ni ver al comisionado Gordon (Fierro para los teveguiados) desnudo atado del cuello y arrastrado por tres enanos. Y aún así, con diez años y obnubilado, no podía dejar de leer. Incluso ese verbo, leer, adquirió una nueva dimensión: ahora y siempre, el verbo se dividiría en dos: leer letras, caracteres, y leer dibujos, espacios. No importaba mucho que la prosa de Alan Moore en este comic demuestre su capacidad, generalmente menospreciada, de narrador, de alguien que comprende a rajatabla los tiempos que los espacios proporcionan a la viñeta y que sabe dispensarlos, convertirlos en una metaoperación de relectura –Moore parece nunca poder parar de leer comics incluso cuando los escribe- que jamás se olvida de los personajes. O que el portadista Briand Bolland tardo casi dos años en dar vida al total de La broma asesina. No tenía noción de nada de ello y de todas maneras podía percibir su potencia. De la misma forma que recuerdo el preciso instante en que mis padres me contaron que en algún momento tendría que morir y que un día ya nada de mis todos volvería a despertarse, recuerdo cerrar las hojas de La broma asesina y pensar que, sin saber como formularlo en mi cabeza, esa historieta siempre iba a estar en mi. Siempre que abro un comic, en mi cabeza se vuelve abrir La broma asesina.

Animal Man #5 de Grant Morrison, Chazz Truog y Doug Hazlewood.

Y en el octavo día Grant Morrison se creo a si mismo. No pienso resumir en esta oración, párrafo o tamaño final que posea este escrito todo lo que significan esas dos palabras: Grant Morrison. Con el número 5 de Animal man, uno de sus primeros trabajos en America después de años de trabajar en el Reino Unido, descubrí su ---------------------------- (aún no se creo una palabra para definir de una sola vez la posibilidades que adquiere una historieta cuando la escribe, jamás dibuja, el gran GM. Su imaginación, y todo lo que la hace mucho más que un gesto en el aire, se asemejan más a una enfermedad que a cualquier otra cosa. A una enfermedad que transforma la sangre en algo que de ninguna manera podría circular por nuestro cuerpo y que, sin embargo, lo hace. Cuadros que devoran París, deidades que se parecen al difunto leading voice de The Beatles, niveles de videogame instalados en la Luna, jóvenes indios con amigos que parecen dibujados por Jack Kirby, robots popstars capaces de domar dinosaurios hippies y la lista sigue, sigue, sigue, sigue, sigue, sigue, sigue.) En el número en cuestión, un extraño animal aparece en nuestro plano de existencia. Es una especie de lobizón, en realidad se ve como una degeneración con la forma de un can mutante que camina sobre dos piernas y resiste cualquier ataque contra su persona. Excepto, claro esta, una bala de plata. Resulta que este animal, casi al fin del número, le entrega a Animal man (cuyo poder radica ser el dueño de cualquier habilidad, mientras logre contactarlo primero, del animal, insecto o pez en cuestión) un nota que desde un comienzo colgaba de su canino cuello. Ahí descubrimos que el salvaje había sido castigado por su buen Dios por haber pedido que cese su mala suerte y como castigo trasladado al mundo de Animal Man.

El lobo atado a la inmortalidad, a una existencia monótona de la cual tenía conciencia, no era ningún otro que el famoso Coyote. Sip, ese que Chuck Jones hizo una moral del perdedor en los dibujos animados, Grant Morrison lo convierte en la moral de la tristeza en el papel. Animal Man no puede leer lo que esta escrito en el papel que cuenta la historia del coyote pero nosotros si. Grant Morrison con este número me dio, al menos considerando mi método científico, una prueba irrefutable de que los comics existen; es decir que pueden ser lugares, mundos, no solo situaciones, donde sus personajes viven en líneas que se extienden mucho más allá de las viñetas, donde tienen cosas como melancolía, como dolor, como miedo, como incertidumbre, como tristeza. Esa fue la grandeza de ese comic, de mostrarme que el protagonista podía desconocer lo que sucedía, de su vulnerabilidad como sujeto, de su bidimensional humanidad. En ese Coyote y ojos llorosos al darse cuenta que ya le toco la China, vi el mismo terror que hoy me inunda cuando pienso en que mis monotonias me devoraran o en que algún día dejare de existir o que una mano, como esa que termina de pintar la sangre del Coyote cadáver, algún dará vuelta la página y no seré nada más que un recuerdo, una idea o un concepto en la viñeta final de un lugar donde nunca supe que estaba. O peor, donde nadie aprendio a leerme.

Antes era un alfeñique... (o un paseín por una miniserie que la mola)

2005-10-07T01:17:00.000-03:00

Con ustedes una creación de esa hipérbole bautizada como Grant Morrison y de un tamaño dibujante rebautizado como Frank Quitely : Flex Mentallo, un Charles Atlas con problemas dimensionales, cósmicos, meta-galácticos y meta-metafísicos. Un universo (o dos) de supertipos forzado a brillar en cuatro míseros números editados por Vértigo hace un par de años. Megasujetos armados, como los cositos que vienen en los Kinder pero en lugar de plastiquitos tenemos que usar los nexos entre las tierras de la historieta que vienen en esa cápsula (un poco del tiempo, otro poco sublingual) que es Flex Mentalo. Todo parece venir –y unirse- con forma de algun paradigma estético de la galaxia de la bidimensión de pelpa: Jack Kirby, Neal Adams, Julie Schwartz, Carmine Infantino, Mike Allred. Paradigmas que son reducidos a una única secuencia de ADN, una cadena difícil de imaginar viva sin sus cromosomas pero la vez difícil imaginar a sus sustancias unidas sin la existencia de los tendones de Flex Mentallo. Músculos, gamas alborotadoras, animal prints, slackers, arena y los suficientes rayos y centellas que un físicoculturista puede llegar a necesitar.

Batalla del movimiento

2005-09-29T11:00:00.000-03:00

Episodio I: Hace breve, en medio de una de esas charlas sobre modulares (o las cosas que los llenan) le comente a mi amigo Panoxx que nunca me había gustado mucho comprar action figures (muñecos, que tanto). Le dije: “Prefiero comprar comics con esa plata.”. Y como ese Yoda que suele ser me respondió solo que sin decirlo al revés: “Podes comprarte los dos”. Me reí. Seguimos nuestra bittergeek symphony y yada yada yada (not that kind of yada. Not that´s anything wrong with that!)
Episodio II: Mi reciente, si uno piensa la brevedad como un plazo de tres semanas, trabajo como clerk me hizo detestar a un sujeto que venia cayéndome de mal a peor: Alex Ross. ¿Quién es Ross? Ross es un pintor, un portadista de historietas y acorde a otras gentes del mundo de los tebeos, la novena maravilla (la octava fue, a mi enteder, la existencia de Will Eisner).

En 1994, Ross dio su gran golpe y fue descubierto por varios de nos con la miniserie Marvels (junto con el escriba Kurt Busiek, el Billy Wilder de las historietas de superhéroes). El estilo de Ross estaba conformado por un hiperrealismo de índole bíblica que, en el caso de Marvels, entraba como anillo al dedo de Green Lantern: su registro fotográfico lograba trasladar a una especie de limbo “real” a imágenes clásicas de la Marvel Age (los orígenes sesentosos de Spiderman, X-men y compañía marvel). En ese revisitar, reescribir y refreír esas imágenes lograba algo nuevo: Ross y Busiek convertían a un par de noticias de ayer en algo ajeno al tiempo (no así a la memoria) y ahí estaba la fuerza de Marvels.

El tiempo siguió y Ross pinta que te pinta le tatuó al comic de superhéroes una impronta de seriedad, de solemnidad, de “somos un arte”. ¿Cómo puede hacer eso un solo tipo si solo hizo portadas, algún Kindom Come –una serie sobre un futuro oscuro y violento donde Superman es Jesús casi, igual esta buena- y más portadas?
El problema es que en lugar de que ese espíritu de seriedad (que dio las ideas que generarían obras casi enciclopédicas que resumen la historia del universo Marvel como la genial Earth X) se limitara a ser una opción, geeks y editores varios lo convirtieron en el ultimo gran héroe del comic y todo comenzó a apestar a Ross. El pintor ama a los superhéroes pero no tanto como el cree, ya que si así fuera su estilo tan pomposo, tan capillasixtinesca, no tendría porque barrer, paleta de colores calidos mediante, con el encanto de índole colorinche, chillona y anárquica de los hombres y mujeres en calzas, capas, alas y escamas. Es decir, Ross cree que los superhéroes son un arte de la misma forma que un Testigo de Jehová cree en Dios: no puede quedarse solo en su universo y necesita tocarle el timbre a cualquier género y a cualquier época para así poder taladrar con sus imágenes/discursos unilaterales sobre las ventajas de “ser un arte”. Sus obras solo admiten el “Guoooooooooooo, parece de verdad” como reacción”.
Una idea original de Julie...

Ese gran hombre y editor que respondía al nombre de Julie Schwartz nos enseño allá por los grandes 60 y 70 de la DC comics, un universo camp como pocos, que la respuesta que debía generar la portada de un comic era de incertidumbre, de querer averiguar que pasaba en sus páginas, nunca de pasividad sino de activa ironía, de amor, de locura y todas esas cosas que puede generar la imagen de un hombre halcón enfrentando a un gorila. O la de Superman vencido por un quaterback fantasma o la de Batman y otros supertipos atacados por sus propias armas.

hecha por Alex Ross

El aspecto seriote de Ross y su sequito lleva, a fuerza de ventas, a que el megaevento de este año de la DC, Infinite Crisis, utilice de piedra de mechero la muerte de un personaje como Blue Beetle (un sujeto creado hace tiempo por el mejor dibujante que Spiderman haya tensado: Steve Ditko). BB fue una pieza clave de la comedia de superhéroes (una parte que suele ser olvidada y es esencial del género, algo que Julie sabía) allá por los 80 en la serie Justice League. Una muerte por un dólar. Una falta de respeto hacia la ligereza, un patada en las pelotas de una inocencia (que en realidad era un autoconciencia que transpiraba ideas pero que no resistía balas/eventos) y un cross de derecha –en todo sentido- dirigido a un personaje que supo respirar vida y que murió travistiéndose de todo eso que Ross diseña. La portadas de Ross adquieren un aspecto institucional y así se pierde la libertad de los colores que cuesta mirar un rato largo porque encandilan, de las formas que quiebran lo antromórfico junto con sus reglas y del orgullo de jamás camuflarse de tridimensión. Muerto Julie, los aburridos se divierten.
Plasticman por Ross, hace un par de años

Episodio III: Es tan de molde el estilo de Ross que el lugar donde mejor funciona es fuera de los comics: en las figuras de acción. Superman se convierte en un momento dado, en un plástico al alcance de la mano y así deja de ser estampita para convertirse en la versión pop de las estatuas de los santos. Eso demuestra la consecuente voluntad de Ross de quebrar la página, de excederla (Frank Quietly en W3 llevo a cabo una lección de cómo jugar con la narrativa de la historieta al lograr darle relieve a la viñeta sin que esta pierda su planicie) y así es que logra muñecos lindos de ver, cool, zopencamente –sino involutariamente- cancheros. Y, así como así, me entero que saldrá un muñeco de Plastic man –mi personaje favorito- diseñado por Ross, entro a verlo al site de DC y para mi sorpresa me gusta la suficiente como para comprarlo.
El coñemu en cuestion
Pero no tanto pensé después. Ross es un tipo limitado por el registro fotográfico mientras que el actual dibujante y escriba de Plasticman, Kyle Baker, viene del mundo de la animación (participa en el corto del Coyote que pasaban antes de Looney Tunes Back in Action). Baker sabe que un tipo que esta hecho de plástico y que puede adquirir la forma que quiera es alguien que solo puede jugar con las formas, tanto con las suyas, con las del artista como con las de la historieta misma. Trasladar ese personaje y su esencia al plástico real, del que hacen los muñequitos, es imposible de pensarlo. Ya hicieron dos o tres y esos muñecos intentan mostrar ese universo que es el cuerpo de Plastic man en sandeces como el cuello estirado o la mano al cuádruple de su tamaño normal. Un viñeta, solo una, de Plas hecho por Baker
Desde esa imposibilidad que provee el talento (o aunque no se lo admire se puede si apreciar su libertad) de Baker es mucho más fácil observar la potencia concentrada de Ross. Una potencia mucho más pirotécnica que atómica, Ross es capaz de reducir a una invitación a la imaginación como Plastic Man a doce centímetros (que más que seguro compraré) mientras que la elasticidad de Baker convierte a Plas en un Godzilla con esteroides, un ser imposible de capturar en una imagen fija porque en la viñeta que sigue será 200% diferente. Baker sabe que la elasticidad, factor clave de la historieta, es un plástico caliente.

Páginas amarillas

2005-09-19T15:09:00.000-03:00

Sip, ando medio colgado pero no me olvido de mi querido blog. Así que a modo de cariño con las gentes que viene y va de este bloggerama me voy mostrarles un pedacito de mi radiactiva memoria. Mis recorridos por el Parque Rivadavia podrian ser representados en una escala evolutiva, de esas que arrancan con el monito que casi camina y finaliza con: a) el hombre, tal como lo conocemos en los libros de biología o b)el chiste pop de turno. En el parque, se dieron mis primeros contactos con los comics, las famosas revistas casi cuadrangulares edita dos por Novaro. Igual la parte que vamos a excavar hoy es de las menos remotas, es más, esta bastante presente en varios folletos que edito la municipalidad de Cualquieradominguezville y es una memoria que suele ser citada, al menos, una mes por bimestre. Nos (por yo y yo) remitimos a el primer comic que recuerdo haber leído, escribo sobre ese comic cuya evocación y cuyo valor neto como recuerdo/momento de quiebre no se me viene en forma efervescencia, no es una burbuja que sube entre miles de otras y que, por puta lógica física de mis neuronas, sale campeona del torneo de pacotilla que se sucede en mi cerebelo. La historieta en cuestión, que en EEUU se pide como Batman #419, no solo marco a fuego de fósforo varias de mis pasiones sino que, raro, raro, raro me provoca una linda sensación recordarla. Hablo de Batman Nro 3, de la Edición Perfil –nota del Cualquiera: La Editorial Perfil publico a comienzos de los noventas varios títulos de superhéroes doblados al castellano, que fueron para toda una generación, la que me gusta llamar generación Simpsons, la puerta de entrada al comic maintream americano- que no era otra cosa que la tercera parte de la saga conocida como Diez noches de la Bestia. Varios amores a primera vista y tacto en un solo movimiento: la hoja de comic y su tamaño clásico, la narrativa del guionista Jim Starlin y del dibujante Jim Aparo-, el consumo al alcance de la mano, el aspecto folletinesco del asunto, la sensación de presente absoluto.
Pero hay cosas que extraño y bastante de esa revista: la tensión que generaba la salud de Batman antes de descubrir que los personajes always green (término que designan editorialmente a las revistas de superhéroes que “siempre venden”) no se mueren y que si lo hacen pueden resucitar, la falta de idea absoluta de hasta donde iba eso y como era que terminaba, ignorar el sacrificio de otros para que uno lea sus –como diría mi abuela- revistitas de chistes y, por sobre todas las cosas (menos dos o tres) el entusiasmo, la manos en tinta por que eso que tenia me sobraba y alcanzaba para sentirme, digamos, bien. Por eso este post, medio por cursi u otro tanto por cansancio –no físico, harto mental- que les enseña la imagen que decidí sería mía por el resto de mi vida aquel 18 de diciembre de 1991 (creo). La elegi de entre las varias cosillas que había en el kiosco de revistas de Avenida La Plata y Rivadavia y eran como las siete de la tarde. Aun no se me ha notificado acerca de si algún día me harán un monumento, como pedía Miguelito. Medio que me parece que no. Pero si lo sitúan por ahí no me molestaría en absoluto.

Ella, solo ella

Clerk as you are

2005-09-12T04:35:00.000-03:00

Esto va estar mal escrito y todo eso. Avisados estáis. Simplemente utilizo este post para describir cosas que vivi en la convencion. Estos “Como puede ser que me digan esas cosas” puede sonar pedante y yada yada yada. Prometo, cuando no sea esta hora y cuando mi reciente trabajo como clerk en Megacomix 05 sea un recuerdo mucho más extenso que de unos quince minutos, especificar los ítems:
Frase a la cual, como diría The L word, “le decimos no”: “¿Tenes algo de Alex Ross?”
Sip, tengo su soberbia y solemnidad ensartadas en centro del orto. Y eso que adoro toda la saga galáctica y católica X (Tierra, Universo, Paraíso). Pero este tipo es el responsable de todo, de las crisis, de las casas de M, de que maten a Blue Beetle. A Ross con leche.

Frase de cabotaje a la cual distaría subida en unos de mis hartos frecuentes flatos: “¿Tenes algo de Olivetti?” Sip, tengo una maquina de escribir eléctrica y unos comics de mi querido Lobo destrozados por los bocetos de Arielcito “Cazador” Olivetti y cualquiera de sus diecisiete monos entrenados para destrozar la anatomía de cualquier dibujo.

Frase de Cucurucho de plástico en la frente y si es posible la perfore: “¿Cómo, si dice 1 dólar igual a dos pesos, esta revista que sale 2,5 dólares no sale 2,5 pesos?” ¿Cómo, por el gran culo de Berta, a tu vieja no se le ocurrió volver atrás en el tiempo y abortarte? Lobo semi dixit.

Frase que hubiera querido escuchar: ¿Tenes números de Plastic Man de Kyle Baker? “Sip tengo casi la mitad de su serie actual. Una serie increíble, divertida, que piense la viñeta como pagina de historieta y no como mal cine de acción, que se ríe de ella, que tiene movimiento, que demuestra que el único personaje que el cine nunca podrá entender es aquel cuyo cuerpo desafié la profundidad de campo tal como la conocemos.

Frase de Fanático que llego tarde: “¿Tenes algún numero de la Liga de Morrison?” –Nota del editor fantasma: La Liga de la Justicia es el nominal con el que los geeks conocemos a los Superamigos. O sea el supergrupo que supo aglomerar a Superman, Wonder Woman, Batman, Martian Manhunter, Flash, Green Lantern, Aquaman (una de sus tantas formaciones conocida como Los siete magníficos y que utilizo por first time Morrison al relanzar la Liga en el 97)- “Si, si tengo¿ Cuál buscabas? ” “El 3, el 4 y el 12” “Okay, y yo quiero tener alas pero que no me jodan cuando vaya a cagar, me acueste o coja”

Frase Hijo e` Tigre: “Si es lo que me decís, lo llevo” Okay, suena a crap, casi megacrap. Pero no chamuye a los que les vendí, no suelo hacerlo, les decía lo que me parecía bueno y cuando me pedían cosas que me desagradaban (y solicitaban opinión) les decía. Momento cumbre de este comportamiento: “Mira este Superman de Ross” dice Domínguez cualquiera. “Esta buenísimo” responde NNG (Anónimo Geek). “ A ver, compáralo con este y Decíme cual tiene más onda” D/C muestra una imagen de Trinity (miniserie reciente dibujada y escrita por el gran Matt Wagner que protagonizan Superman, Batman y Wonder Woman). “Y puede ser que el otro. Bueh, me llevo ese”. D/C, de la mano de Wagner, has left the building. Yeahhhhhhhhhhhh, fotograma de Elvis cantando That Lovin gfeeling en el documental/recital/cosa increíble que pasaron en el BAFICI y a otra mari-pose.

Frase Are u mental?: Pregunta, feliz y emocionado D/C: ¿Cuándo esta ese Rene de peluche? , le responden sin tapujos: 175 pesos. Yo pensaba por dentro, dos horas después un comebak y se me ocurrió decirle: “¿Ah, tiene la mano de Henson en el culo, no?” Pero no se cuanto funcionaría.

Mejor disfraz: Yo. Haciéndome el cheronca al usar remeras de bandas tipo Buzzcocks, una negra sin nada (total ahí debe remitir a algo), Flaming Lips y una de Crumb (orden cronológico) Dale, dale, si, si, ¿porque no te compraste Heroclix para jugar, no?

Mejor disfraz posta: No me acuerdo ninguno. Pero hace u par de años, cuando labure en la convención de plaza Italia –creo- apareció un chabón disfrazado de Bumblebee –ni idea si se escribe asi-. Bumblebee es el “poncho” (aka Escarabajo) de los Transformers. El sujeto en cuestión había hecho un traje con cartones varios pero la mejor parte era que el tipo se acostaba en el suelo, se encogía al contraer sus extremidades y…tantannnnnnnnn… quedaba con forma de Fito. Aquí viene lo bueno, señores: viene un amigo de atrás, lo patea y el disfrazado que tenía una tabla de madera, tipo lavandera de mayo, con rueditas en la espalda……¡¡¡sale andando!!! Cien puntos.

Peor canción puesta en el parlante de mierda ese: El estúpido Mix que pasan al final de Shrek en DVD o VHS. El BJ –vamos, eso que pasaba música estaba más cerca de un camionero que de DJ- cuando quería la pegaba aunque siempre estaba dentro del mismo criterio “Música para que un homo erótico le diga al otro: Uhhhhhhhhhhh, boludo, escucha la canción de Lobo del aire” o que “Música para que una Otaku –fan del anime y manga, creo- corre en su pollera que le tapa el clítoris sacado de una serie pedorra pero media pop”. Cuando la pegaba dejaba caer de llego el disco Saturday Morning, canciones de dibujos animados que por allá pasaban los sábados a la mañana pero hechas por bandas como Sublime, Ramones, Butthole Surfers, obra cumbre del geekismo de los 90, al menos en materia sonora.

Frase Gestito de la tapa de Noticias que esta ahora en la calle: “Me parece que el estamos sonados” Dicha por el Jefe Mío después de llamar para ver si conseguía algún flete ya que el titular se le dio por no venir. By the way, al fletero: Ojala tu hijo sea geek y le guste comprar originales de la JSA del 40. He dicho.

Frase Personal contratado: “Uh, ¿vos pediste una pizzeta? Ya fue, llevate la pizza entera que a mi ya no me entra un pelo en el orto”

Iba a seguir escribiendo pero vi en TN, le de chabón en Mendoza que el policía le metió un tiro en el pecho (con salva pero a dos pasos) y posta, no me da ni ahí. Que se yo, uno se acostumbra a que las cosas salgan bien en el papel y zas, te agarra TN.

It`s a dirty job, esto de clero/k, pero alguien tiene que hacerlo. Y la verdad, lo adoro.

Evento

2005-09-05T13:30:00.000-03:00

D/C Status: Linked Modus: Activate Award Mode
Activated
Start Secuence
-Suena Black Eyed Peas, la cámara toma al cantante de Green Day, a Ricardo Darín y a la más linda de las Bandana, y después se va las tablas. El escenario esta vacío, una voz en off me presenta (Ladies and gentleman, the author of Un Domínguez Cualquiera and the comic book carácter know as Geo-man…Simplemente Domínguez) para presentar el premio al mejor comic de la semana. ---¡Faking ovation!---) Fade out musical al tema lento de Spiderman 2
Últimas escenas del Teleprompter -Cough, cough, semama a semana nos vemos frente a nuevos mundos de fantasías, de cosas que jamás veremos pero que tenemos al alcance de nuestra mano. Pero a su vez el mundo real nos muestra su cara, su dolor. Por eso, pido un aplauso para todos los elegidos para ganara este increíble premio. –Clap, clan, clap, todos con cara seriota y solemne- Los nominados para mejor comic editado en la semana iniciada el miércoles 31 de Agosto son…

Seven soldiers: Shining Knight #4 de Grant Morrison y Simone Bianchi

Batman: Jeckyll And Hyde # 5 de Paul Jenkins y Sean Philips

New Avengers # 9 de Brian Michael Bendis y Steve Mcniven

The Flash #225 de Geoff Johns y Howard Porter

B.P.R.D. The black flame #1 de Mike Mignola, John Arcudi y Guy Davis

And this week the award goes to...¡New Avengers #9!
Suena la musiquita de turno...y sube a recibir el premio en representación del número todo, Dos Páginas de los Increibles lapices del señor Mcniven, responsables absolutos de este premio.

Gracias. Dedico este premio a la habilidad de Mcniven como dibujante.Y a quienes me ayudaron a llegar hoy a este lugar. Muchas gracias.

La cámara en la grúa abre el plano y vemos todo desde arriba. Vamos a un corte.

Are you ready to rummmmmmmmmble?

2005-09-04T22:37:00.000-03:00

Corría el año 99, y de repente, cuando nadie lo esperaba (nadie tenía un porque para hacerlo) el pintor Dan Brereton (The Nocturnals) decidió llevar a cabo un experimento en el laboratorio que era la DC por aquellos años dorados. La fórmula: el Doctor Brereton, muy a la villano de la Marvel de Stan Lee o a la mad scientist de la Universal, tenía un plan. Uno de índole chabacana, superficial, cientificista y, por supuesto, chillona. Su plan era el siguiente: hervir, al Fahrenheit de sus acrílicos, el imaginario de los “daikaiju" (esos monstruos más grandes que un edificio, estilizados a la Godzilla y tan brutalmente reducidos a una action figure defecada por algún episodio de los Power Rangers) junto con el universo creado por la Lucha Libre (estereotipos enfrasacados en vestimentas/colores que los distinguen de los otros musculares con quienes batallan y dueños de un repertorio de, a lo sumo, 10 frases. Expresiones que son dichas de una forma casi gutural por esos abortos –o gérmenes- del héroe de videogame que son los luchadores de cacht). La mixtura de esos dos mundos da como resultado una mini-serie de seis números ...Giantkiller.¡Yeah!

El protagonista de la historia era un coloso llamado Giantkiller (dah!) que debía, como su tautológico nombre lo indica, asesinar a seres del tamaño de una pequeña montaña. Y en esa misión ponía en juego su ochentoso título nobiliario de “Humanity’s only hope”. El número de enemigos a dar de baja era de 24. Pero Giantkiller era uno más de la pandilla, solo que era un desertor gracias a su habilidad como samurai(¡¡¡!!!) y a su intelegencia que le permitia superar la actitud insectívora que tenían los demás grandotes para con la humanidad toda. Por ende, el total de daikaijus era 25: uno por cada letra del abecedario. Ya ven, ¿Que estereotipo más noble hay que el creado por el militarista régimen alfabético? Los nombres de las criaturas iban, en perfecto orden, desde Akai hasta Zomm pasando, obviamente por Giantkiller. Y había otros nominales imposibles a la hora de pasar lista tales como Banjac, Evildoer, Hatchetface, Lavababy, Massh o Volcano. Para dar el cierre de oro a tamaño asunto, Brereton encierra a sus híbridos en un ring llamado “The Territories”, una zona infestada de radiación al norte de California, y pone unas cuerdas-cordones militares para que sus peleadores puedan hacer sus piruetas.

Brereton, con Giantkiller, se puso el delantal, cazo un par de tubos de sus típicos acrílicos, los exprimió hasta convertirlos en eslabones básicos de su paleta de colores y así es que puede que controlar, por tomar uno de esos cosotes al azar, hasta el desaforado rojo que profesa un personaje/grasa como Volcano. Mr. Brereton se toma en serio el material de génesis de su obra. A pesar de que la autoconciencia que salta a la vista en ciertas elecciones ya descriptas, Brereton no propone una relectura del tema o un juego con piezas de ironía sino que construye una épica cool, canchera, descontrolada, ligera y, de forma lógica y fatal, irrepetible. Giantkiller, como personaje, es un John Wayne + Hellboy + Lone Wolf (samurai protagonista de una historieta que ya hablaremos, Lone Wolf and Cub). Un ser obseso, árido, solitario que a pesar de, quizás, salvar al mundo y permitir que el cielo sea literalmente visible de nuevo, no tiene posibilidad alguna de incorporarse o de mirar desde el mismo sitio que cualquier mienbro de la sociedad. Giantkiller, a pesar de ser llamado Jack, es un outsider, un olvidado. Es el héroe de una historia que podría ser parte de alguna mitología oriental y estar impresa en papiros bajo el título de La leyenda del asesino de gigantes. ¡Si hasta las portadas de cada número poseen ideogramas en lugar de grandes frases comunes de tapa de comic!

Los titanes de Giantkiller son exagerados, conforman el mapa de los territorios que Brereton recorrió a bordo de millones de VHS y aún así, a pesar de conformar una especie de reserva ecológica de cualquier bestia que los ojos del autor hayan visto (Los hay con fisonomía de cancerberos, de insecto, de gorila, de marciano, de dragón, de dinosaurio, de octópodo, de murciélago, de demonio, de Yeti, de Cosa del Pantano, de Golem y de lepidóptero) poseen un vida propia, aunque les dure tres páginas a algunos, gracias al diseño del arte de Brereton.
El autor logra trasladar a sus radiactivos Hércules a la hora de construirlos visualmente y designar el lugar que cada uno ocupará en la narración ese cuidado y pasión por la aventura y esa hidalguía existente en las elecciones morales de sus personajes. Sus bestias se vuelven algo mucho más relevante que un simple de link geek. Se transforman en lo que siempre quisieron ser: en unos common e increíbles monsters, en los obstáculos que deberá destruir Giantkiller. Giantkiller, como obra, es algo bello, efímero y noble, tanto para con sus habitantes, con sus freaks de 40 pies de altura, como para aquellos que decidan, para sumar una nueva cara al héroe, volver a ver a un protagonista con más corazón que odio.

Historieta Rojo Shocking

2005-09-01T21:21:00.000-03:00

Mosquito es una historieta editada en forma de librito con casi ciento cincuenta páginas y con un tamaño un poco más grande que el que posee la caja de un CD. Su portada muestra una imagen del insecto en cuestión dibujada, como casi todos los caracteres de esa tapa, mediante los contrastes producidos entre dos únicos colores visibles en todo el tomo: el rojo y el blanco, negando cualquier escala de valores que ambos tonos pudieran tener. Alrededor del globo que encierra al rojo de la tapa se puede leer la siguiente leyenda: MOSQUITO An Omnilingual Nosferatu Pictocomunication Novel From Ghostshrimp Press & Top Shelf Productions. Oración que podría traducirse en algo así como: Una novela pictocomunicacional nosferatuense omnilingual de Ghostshrimp Press y Top Shelf Productions. Tamaño léxico demanda, casi fuera de cualquier juicio, dividir para triunfar:

…From Ghostshrimp Press & Top Shelf Productions: Las dos cosas del final tienen una explicación mucho más fáci(a)l de llevar a cabo que el fútil intento de traducir esa triada de palabras imposibles. Top Shelf Productions es un sello independiente que edita o editó allá por América cosas tan lindas y difíciles de conseguir como la increíble Good-Bye, Chunky Rice de Craig Thompson, la reciente Super F*ckers, la chasingamyesca Box Office Poison y una supuesta obra maestra conocida como Blankets del mismo CT de antes (al menos eso dicen muchos de esos amazones hacedores de listas de Best of the Best, Yo como Domínguez/Cualquiera que soy no la he podido leer aún). Por otro lado, Ghostshrimp Press es una especie de fábrica cultural. Se que la idea y el link ponen en off el interés que pudiera despertar Mosquito. Es natural. Todo D/C que se precie de tal busca apagar esa idea de placer oculto para con lo que se disfruta, tontera que hace de los objetos pops que supimos conseguir algo parecido a un almuerzo y a su disfrute algo similar a tirarse a nadar en la pelopincho “sin que la Tía se de cuenta” (o peor aún, esa actitud ¡Viva la diferencia! que reduce las cualidades de las cosas al limitarse a compararlas con eso que no son y acaban ahí nomás, en seco). Tengo fajos de causas abiertas en mi jurisdicción mental contra personas que (pr)escriben que la historieta es un arte por un lado y por el orto la redujeron a otra bagatela pop que no resistió la pesificación.

Otro laburo de Dan James

Bueno, Ghostshrimp es un sitio en Internet que carece de medios económicos suficientes como para ser una editorial y por ende no posee un lugar de residencia física específica. Aun así Ghostshrimp es conciente de sus imposibilidades, por eso se (extra) limita a ser un site donde se puede acceder a las fotografías, los cuentos, los comments, datos inútiles para nuestra existencia no cipaya y a las pictocreaciones de su creador, un tal Dan James (y de paso a otras cosas de otros varios). Cualquiera puede ghostshrimpear. La página permite que cualquier hijo de Dominguez envié sus trabajos o whatevers a ella. GS es solo un sitio -no muy grande y con mucha oferta visual- cuya virtud es la de ser un intento de superar las dificultades de acceso a ciertos fines (la publicación en papel y su frecuencia en este caso) que no pretende repetir “a su manera”, como si de un eructo se tratara , el modelo o las prácticas que instauraron esas mismas fronteras imposibles de cruzar. Lo que en realidad pareciera buscar Ghostshrimp es hacer de ese espacio virtual un sidecar que acompañe a la publicación, un carricoche que cuando se frene el vértigo de la moto/publicación del objeto material, pueda nutrirse de ese impulso, de esa línea de velocidad y siga hacia adelante, de forma anárquica y sin volante pero que, si o si, siga girando.

An Omnilingual Nosferatu Pictocomunication Novel…
Mosquito es el más reciente trabajo en el mundo del comic de Dan James. En sus páginas se narra como una especie de Van Helsing, sin nombre propio alguno, viaja hacia un pequeño pueblo con el objetivo de eliminar al supuesto vampiro que allí habita. Eso explica la palabra Nosferatu inscripta en la leyenda de la portada. En su rol de storyteller, James decide prescindir de cualquier tipo de diálogo, monólogo o indicio de sonido alguno (no hay ni onomatopeyas, cuando los personajes “hablan” solo vemos dibujos encerrados en globitos). Además, el autor relega el relieve dentro de la viñeta, todo lo dibujado parece plano y, a simple vuelo, podría acusársele de chato. Mediante ese mute del audio, lo liso de la puesta en escena y que las imágenes estén construidas por el contraste entre los colores rojo y blanco (The Octopi and The Ocean, repetía la fórmula pero con otros colores) , James se hace cargo del romanticismo que acarrea su historia ya mil veces contada y decide demostrarlo en su estética. Los dibujos de Mosquito están diseñados de una forma primitiva, son dueños de un aspecto similar al de una pintura rupestre -salvando las distancias logradas por el linaje James en la pintura y en la historieta desde la época de las cavernas- donde cada objeto que exista dentro o fuera de la viñeta estará conformado por una serie de figuras geométricas. Una montaña en Mosquito es la suma de varios triángulos, una casa son varios cuadrados o una carreta es un cúmulo de rectángulos y círculos; pero es esencial para el despliegue en la hoja de tales objetos la idea de espacio, que esta configurado a través del uso del blanco vrs rojo (o viceversa). Pero esas geometrías parecen jamás haber conocido una línea recta. Haciendo gula de esa misma falta de respeto que demuestra por la geometría James la traslada a las leyes de la física: los tamaños de los objetos en Mosquito parecen no importar. No existe, en muchas ocasiones, un correlato racional entre las cosas pero cuando la historia realmente precisa de esa logica de los espacios o el uso del fondo del plano, James demuestra que tal violación es conciente y que la puede resolver tan fácilmente como la borró.

James se convierte en un purista de un género como el terror y de un lenguaje como la historieta ¿Como? Los reduce como si fueran simples piezas de un rompecabezas de niño de 4 años. Lo que pareciera ser un infantilismo producido por la falta de talento es negado por la textura de hoja canson, tan de Jardín de Infantes ella, que posee cada página del librito. Tal relieve de la página, negado a los pictogramas, parece tener un correlato con ese esteticismo de lo básico, del lo táctil, del impulso elemental que Mosquito despliega en cada una de sus facetas-. Cada viñeta de esta historieta fue construida como un todo, como un cuadro trivial, para después adquirir mediante su disposición en forma de librito un valor narrativo capaz de generar un clima tenso.

Ese espíritu trivial, de niño descontrolado, es fácil de detectar en la primera secuencia: James muestra una secuencia con cada etapa de su crecimiento y lo que leía en ese momento (Dr. Seuss, Roald Dahl, Tintin, Lovercraft, Kafka, Borges) que finaliza con su mano realizando dibujo que abre la historia del cazavampiros. Las sospechas de snobismo crecen, sobre todo si consideramos además el hecho de tildar de novela a una historieta solo por ser más larga y menos folletinesca de lo tradicional se incrementa la desconfianza. Pero el gesto de la referencia a su pasado no es snob, esa serie de secuencias prosigue una vez finalizada la historia “de ficción”: James se dibuja cansado, pasado por el tiempo y finalmente muerto, cae al piso, se pudre y, posteriormente, un niño recoge el libro Mosquito del suelo. Una imagen cíclica. James parece desconfiar de todo aquello que ama (quizás porque sabe que le pertenecerá solamente mientras respire) y por eso testea las fronteras de los objetos de su afecto: para comprobar, algo tan básico como difícil de llevar a cabo, que las historietas, cualquiera sea el color, la forma o el género, pueden representen historias larger than life. Que ponen en funcionamiento un tiempo que reinicia cada vez que se vuelve abrir el comic en cuestión. Suena cursi. Casi tanto como la idea de hacer una versión nueva de la vieja historia de “cazador vrs chupasangre”. Es impresionante como con una imagen compuesta por dos líneas rojas que atraviesan diagonalmente de lado a lado dos gigantescos cuadrados blancos y que finalizan su recorrido en un muchas formitas rojas James logra poner en escena un viaje en carreta de alguien que sabe que puede llegar a morir. James consigue en esa doble página encerrar toda la soledad, sabiduría, lejanía y fatalidad que encierra algo tan chiquitito y escarlata como Mosquito.

Mis ladrillos

2005-08-26T23:29:00.000-03:00

Configurado desde el centro gravitatorio de mí one-room-wonder domicilio (a.k.a. la cama doble) hoy, como siempre -diría Eros- sentí la necesidad de un ladrillazo en la cabeza. De esos capaces de dejarme un moretón bien grandote y notorio. Un trozo de arquitectura que se topara con mi grandotote cumulo de pelos y, a pesar de llegar con 5 años de delay (quizás la señal que soy le llegaba en diferido a la antena que suelo creer necesitar), sacudiera un poco la estantería de objetos pops que es, o peor aún, pretende limitarse a ser, mi miope y loopeada cefalea. Todo el día tildado con una nimiedad, con un comprarme tal cosa, puff, really boooooooooooooooring de escribir y de leer. No os preocupéis, no usare mucho de catarsis, al menos de esta calaña, a este lugar cableado donde acude poca gente. Cuando ya desistía y salía a comprar el objeto en cuestión mientras buscaba las llaves vi de pasada mi único tomito de Krazy & Ignatz (¡Hola, soy una historieta que salio hace como setenta años, quizás me recuerden por mi aparición en el número 2 de Historia de los Comics o mi edición local por parte de La Urraca bajo el nombre de Krazy Kat!). Me senté, en la esquina mirando de frente al monitor (donde el DC++, el coso con que me bajo comics me miraba malherido desde hace dos preocupantes días) y empeze a hojearlo. Ni lo leí. Lo hojee dos veces y me saque las zapatillas. Los oompa loompas que pasean por dentro de mí no daban descanso, querían de todas formas - bah, de la misma de siempre- hacer esa cosa que yo hago. Quizás la única. Y ahí estaba para mí el ladrillazo del historietista George Herriman, en pleno blanco y negro, lanzado por una catapulta/ratón llamada Ignatz contra el/la asexuada/o Krazy Kat. Proyectil que motivaría la frecuente encarcelación de Ignatz por el brazo, a veces ladrilleado, de la ley, el Offisa Pup. Pura acción y reacción. Adentro y afuera de mis manos. La adoración de K por I es inversamente proporcional al desprecio que este siente por su eterno blanco de tiro y ecuánime a la que OP siente por ella/él. Pero en el mundo de Herriman, ese amor desencontrado se convierte en una especie de capa de ozono que protege de los calores proporcionadas por un surrealismo concreto que jamás desborda los limites de la pagina, esos que esta historieta convierte en un universo. Pero la más importante función de esa capa de oz-ono es la reducir, por su intensidad y firmeza, lo que podría ser un meteorito de violencia, algo grotesco y bombástico y efectivo (esto no es malo, ni bueno, pero Herriman podría haber caído en ese lugar muy fácilmente, tenia todo al alcance de su bendita asistencia), en un certero, tierno, violento, magistral ladrillo en una nuca. Como esa trompada de Richie Tenenbaum, el exdeportista enamorado de su hermanastra en Los excéntricos Tenenbaums de Wes Anderson, le propicia a un vidrio al enterarse de las adulteras aventuras sexuales de su no-consanguínea, la gravedad que atrae a los ladrillazos de Ignatz, es la de esos amores/odios, tan felinos y planetarios ellos, que logran caer de pie aunque tengan siempre una tostada, con una pasión ya quemada y rasposa y difícil de digerir, detrás de sus espaldas. Ahí, a centímetros de donde debe pegar ese cascotazo que todos los juanmanueldominguezs en mi solemos necesitar. Herriman construyó con un solo ladrillo una Metrópolis voladora, un adoquín de algodón de azúcar, bien áspero y poco amable de masticar pero con la potencia de impacto humorístico, melancólico, lisérgico, apasionado, sólido, y, sobre todo, atómico para convertir en sombras a todos los males de mi mundo.

¡Se agranda y todo!¡Fa!

El mato a un policía motorizado

2005-08-25T19:52:00.000-03:00

Hace un par de años, la editorial Marvel Comics (dueña de franquicias co-creadas por Stan “The Man” Lee como Spiderman, X-men, Hulk o el revamp del Capitán América) relanzó a muchos de esos atrapados entre el paréntesis de más arriba en una línea llamada Ultimate. Este sello era la versión 2.1 del universo Marvel “que todos conocemos”. Por “todos” tomamos a lo que la Real Academia definió por lelo a.k.a Geek (me pesifiqué por vos) y por “conocemos” a las historias de no vida que se sucedieron en el ficcional universo del héroe/ina en cuestión que proveen de logi©a interna, lo que los expertos llaman continuidad, a las millones de series por ellos protagonizadas (un ejemplo sería la ecuación: araña muerde a Peter + asesinato del tío Ben = Spiderman.En Ultimates el tío Ben es un neo hippie, “buena onda” como esos familiares que te hablan de Tarantino como si estuvieras en el 96, y así todo).

O sea aquello que ya habíamos leído -o no- volvía a comenzar pero con un hype de no creer, y con ciertos retoquecillos al original. Largaron con Ultimate Spiderman (titulo ameno si los hay, simpático a más no poder, muy autoconcientemente sentado al volante de ese motor conocido como “Con un gran poder viene una gran responsabilidad”) y Ultimate X-Men (También interesante aunque aplacando un poco el paralelismo entre minorías y mutantes y agigantando la secuencia “end of the world”, muy con olor a superproducción de más de 40 millones de dólares).

Bueno, toda esa intro era para hablar del nuevo sello de DC, la otra compañía gigante de historieta mainstream y dueña de Superman, Batman, Wonder Woman y así siguiendo con lista de todos los superamigos, llamado All Star, una espcie de Ultimate pero de DC. El primer título es All Star Batman & Robin The Boy Wonder, más allá del relanzar al batitipo (el que quiere tomarlo como metáfora béisbol bien, quien quiera tomarlo como metáfora intestinal también) el ganchillo de la cuestión es el equipo creativo encargado del asunto: el ya por todos conocido Frank Miller y un dibujante llamado Jim Lee, macroestrella para la doxa practicante del fanatismo por los hombres en calzas. Como verán por aquí nomás el arte de Lee es cuasi particular: muchas líneas por dibujo aunque todas ellas tienen alguna funcionalidad dentro del cuadro, la mayoria de sus seres son anatómicamente superestilizados en su sexualidad o en su fisico de charles Atlas, todo objeto no (meta) humano es exagerado (casi convertido en un outlet de art deco pero pasado por esteroides) y su narrativa es un poco exhibicionista, muy de preparar todo siempre para la splash page (esa compuesta por un solo dibujo, que uno ve y dije Uhhhhhhhhhh). Ahí esta el gran error de la cuestión, lo que hace que falle All star: la amalgama de esos dos universos. El argumento de Miller es canchero, el asesinato de los padres del futuro Robin se desarrolla de forma rápida y torpe, todo es arrastrado por las viñetas con esos eternos one-liners en primera persona (muchos son muy similares a otras frases dichas en otros trabajos de Miller como Sin City, Daredevil o Martha Washington Goes to War, lo cual pareciera intencional, un greatest hits de alguien que hace una década escribe, quizás sin saberlo, greatest hits de sus fascismos que usan el calzoncillo fuera del pantalón). Miller no muestra mucho de nada, la eterna voz en off arranca con Dick Grayson –Ricardo Tapia, para los catódicos practicantes- haciendo malabares aéreos junto a su familia. Después pasa Vicky Vale –Kim Basinger para los cinéfilos protestantes- preparándose para una cita con un tal Wayne en el circo donde labora Grayson y la familia. Later, el protagonico es de Wayne, que se encuentra admirando los talentos del niño acrobata –el obseso este piensa en alguien de 9 años como una idoneidad a reclutar en su batalla contra el "mal"- ve como Grayson se recibe de huérfano. Nada hasta ese momento excede la norma, todo es cordial y cronometrado, casi protocolar, y como era de esperarse, las palabras supraconcientes, aunque gastadas, de lo que es un superhéroe para Miller pelean con la poco autoconciente y grandilocuente puesta en escena de los encuadres de Lee. Aguas y aceites varios. Hasta que llega el momento en que aparece Batman, la hoja final. El Batimóvil atraviesa al medio un patrullero grassista que llevaba al futuro Robin a un bosque "para callarlo" y cuando pareciera va a tenderle la mano al niño para calmarlo, llega la mentada splash page y Batman, vale reconocer que esta dibujado muy al estilo de la milleriana El regreso del Caballero Nocturno, lo caza del cuello al mocoso Grayson y le clava algo así como “Has sido reclutado”. ¿Qué sucedió? Vimos algo inusitado para el mainstream de los comics, entre tanto lugar común de si mismo, este Batman/Miller asesina a un policía y trata bestialmente a un menor al que se le murieron los padres. Justo cuando uno esperaba el plano cenital con el abrazo paterno aparece esa imagen. Ahí esta lo admirable del asunto. Entre tanta violencia light, esta parece genuina no impostada, no como la "importante" violación de la moralista Identity Crisis -boom editorial del año pasado, un whodunnit mal narrado y resuelto como el culo-. Claro, Miller no llega a los extremos de gran comic, un poco gestual por cierto, que son los Ultimates (Capitán America, Thor y otros asemblados saliendo con estrellas de Hollywood, riéndose de Bush y mostrandole las tetas a Hulk para zafar). Pero logra que en algo que se supone es para un público nuevo como All StarBatman & Robin colar tamaña escena y ahi lo que agranda tal situacion no es tanto su destreza,bastante en duda hasta los issues por venir, sino su osadía. Semejante a una punción de lo que fue el gran nervio de Miller, esa escena taladra sobre la pulida y centelleante y seriota, no apta para gestos mugrosos como el de M -el comiquero negro- chapa del universo de superhéroes que lo rodea.

¡Startling Dominguez introducing... Usagi Yojimbo!

2005-08-23T10:55:00.000-03:00

Fast Foward con el único motivo de que como mínimo vean una fotín de un conejo samurai, creación del historietista Stan Sakai. Conejo que revive leyendas del medio evo oriental desde hace casi veinte años, protagonista de un comic casi único y encima es gomia de Las Tortugas Ninja.

Un re viu
Otro re viu
Site oficial de Usagi Yojimbo

Arcos dorados

2005-08-23T10:24:00.000-03:00

Los comics, como verán estoy simio en loop con mi cup of tea, salen en América los días miércoles, y con una cosa parecida a la La Fuerza (yo no creo en Jedis, pero que los hay los hay) llamada DC++ me permite tenerlos en mi domicilio, en mi cpu por ser más específicos, sin tener siquiera que pedírselo a mi usurera comiquería . Claro, no puedo leerlos mientras defeco o si quiero leer desde la cama necesito un palo de escoba para pasar las páginas y un largavista para mi monitor pero dicen que algo es algo. La foto aquí presente, es el ecuánime geek al empleado del mes macdonaldiano pero tomando como índice temporal la semana y mi disfrute del tebeo.

Esteban Roberto Klarion, 12 años.

Si desean más datos comunicarse cono el man-ajer en la Oficina de Comments

¡A ver si vamos saliendo!

2005-08-23T10:21:00.000-03:00

Bitácora del hombre antes conocido como Domínguez (ahora es Simplemente Domínguez) Día 1:
Hoy decidí llevar a cabo un proceso simple, común, ese pedo de cultura popular que todos alguna vez nos hemos tirado (sino en un ascensor, bajo las sabanas). El mentado suceso en cuestión, es lo que el común de aquellos que carecen de un apellido como Domínguez catalogan bajo el denominador de Top 5 (no confundir con Top House, una excelente marca poseída la cadena proto marzoquista de Coto que con sus costos más que accesibles ha calorificado y ventilado mi domicilio). Este acontecimiento responde a una suerte de multiple choice, como ese que llevan a cabo los flippers como Terminador 2 o Los Locos Adams donde anhelamos se nos premie –at least- con un Extra-ball (bola de más, para los no cipayos), más que a un “ay, ay, yo se como es todo en el mundo”. El tópico serán los tebeos. Establecidas las pautas, hete aquí la lista de fe:
Top 5 Comics a las 9:56 del 23/07/05:
5-W3 de Grant Morrison y Frank Quietly: Un post próximo a venir hablara más en detalle de esta belleza.
4-The adventures of Jimmy Corrigan The smartest kid on earth de Chris Ware. Ya fue, me parece solo escribire un poco de Batman.
3-Asterix de Rene Goscinny y Albert Uderzo. ¡Por Tutatis! Coming soon to your blog (Watch the trailer here).
2-Batman: Year One de Frank Miller y David Mazzucchelli: Lejos de Sin City y otras de sus obras consideradas cumbres, a esta hora me parece esta es la mejor historia del ahora conocidísimo por todos Frank Miller. Seca, canchera, rápida, Miller hace su apoteosis del héroe ochentoso (junto con Marv): todo suena a ya dicho, todo escena de violencia parecen sobras de un film de John Carpenter, Walter Hill o Paul Verhoeven, todo es cool a más no poder. Miller descubrió la forma de escribir al personaje más interesante que haya dado cualquier ficción: Batman.
1-El podio es triple, se que es hacer mula pero no puedo evitarlo (ah, y calculo escribiera de todo esto así que…¡para que gastar pólvora en chimangos!-By the way, saludos a Mango que quizás me este mirando-): The Spirit de Will Eisner / Krazy & Ignatz de George Herriman / Whatever happened to the man of tomorrow? de Alan Moore y Curt Swan.
Sip, ya se, me faltan muchos. As if…

Estoy?

2005-08-22T14:30:00.000-03:00

Eso mismo.